La nueva película de Guillermo del Toro: Otra vez Frankenstein: ¿Tienes que ver esta versión?

Durante casi un siglo, el cine ha seguido reinventando la criatura de Frankenstein, desde el monstruo icónico de Karloff hasta las sangrientas películas de terror de Hammer.

Desde la perspectiva del monstruo

La novela de Shelley de 1818, a menudo considerada el primer texto de ciencia ficción, gira en torno a los límites de la creatividad humana: la obsesión, la culpa, la ambición científica y la cuestión de qué nos hace humanos. del Toro también retoma estos motivos.

A diferencia de Shelley, que muestra su monstruo hecho de partes de cadáveres principalmente a través de los ojos de su creador Victor Frankenstein, del Toro se centra en la criatura misma. Jacob Elordi («Saltburn», «Priscilla») lo interpreta como un ser que siente y piensa: vulnerable, enojado y anhelante.

Los oscuros laboratorios de Del Toro, los paisajes góticos y las imágenes barrocas transforman el simbolismo de Shelley (la culpa, la responsabilidad y el trágico deseo del hombre de exceder sus límites) en un cine visual y emocionalmente tangible. Con ello, el hombre de 61 años continúa una larga tradición de imágenes cinematográficas de monstruos.

Cómo el monstruo se convirtió en un ícono

La adaptación cinematográfica de James Whale de 1931, que convirtió al monstruo en un icono, es legendaria. La interpretación de Boris Karloff (la cabeza plana, casi cuadrada, las expresiones faciales rígidas, los tornillos en el cuello) se convirtió en el arquetipo del monstruo moderno. La película de Whale, caracterizada por fondos expresionistas y fuertes contrastes de iluminación, cuenta la historia desde la perspectiva del creador: un oscuro cuento de hadas sobre la excesiva sobreestimación de sí mismo por parte del hombre.

Las películas de Hammer de los años 50 y 60 moldearon el mito a su manera sangrienta. Producida por la británica Hammer Film Productions, el culto comenzó con “La maldición de Frankenstein”, la primera parte de una serie de Frankenstein. El director Terence Fisher se basó en colores brillantes, sangre y una estética gótica teatral y exuberante.

Películas posteriores de Hammer como “Frankenstein Must Die” aumentaron la violencia, el patetismo y el drama. ¿Profundidad emocional? Más bien un asunto menor. Fisher quería impacto, estilo y espectáculo.

Del horror a la tragedia

Kenneth Branagh tomó un camino completamente diferente en 1994. El director británico, que interpreta el papel de Víctor en su adaptación de Frankenstein, llevó a la estrella de Hollywood Robert De Niro ante la cámara como la criatura. En lugar del horror y la conmoción, Branagh se basó en la emoción y el patetismo: el monstruo ya no era un monstruo, sino un ser sintiente.

Al hacerlo, Branagh se acercó una vez más al modelo humanista de Mary Shelley y creó un puente hacia el enfoque de Guillermo del Toro, que se centra en la compasión por las criaturas.

“Frankenstein” como tragedia familiar

Del Toro continúa con esta idea de manera consistente. Su criatura, interpretada por Jacob Elordi, a veces desaparece detrás de sombras y máscaras, pero el miedo, el dolor y la añoranza resuenan en cada movimiento. Queda por ver si esto dará como resultado una imagen icónica de la cultura pop como la de Karloff, pero del Toro crea un retrato profundamente emocional.

No es de extrañar que el director mexicano inspire simpatía por sus monstruos. Ya en «El Laberinto del Fauno», «Crimson Peak» y «La Forma del Agua» sus criaturas eran espejos de los anhelos y heridas humanas.

Del Toro añade a la historia de Shelley las raíces familiares de Víctor (Oscar Isaac) y su relación con sus padres. Víctor no es sólo un investigador, sino hijo de un padre autoritario (Charles Dance), impulsado por el deseo de superar a su propio creador.

El mito como un cuento de hadas oscuro

Cuando el monstruo de Elordi toca la mano de su creador a la luz de una vela o se tambalea por un laboratorio en llamas, no es horror, es angustia. Christoph Waltz como el influyente Harlander, que financia los proyectos de Víctor, y Mia Goth como la frágil Elizabeth, la compañera de Víctor, completan de manera convincente el morboso mundo de poesía, sangre y culpa de Del Toro.

Con un presupuesto de unos 120 millones de dólares, convierte Frankenstein en una ópera visual sobre la vida, la muerte y la creación. Salas góticas, costas azotadas por tormentas, cementerios cubiertos de nieve: cada toma es una pintura, atravesada por luces, sombras y melancolía.

Así es como el director traslada la idea de Shelley al siglo XXI: transforma el mito en un oscuro cuento de hadas sobre la responsabilidad, el poder y la compasión. Queda por ver si su película se convertirá en un nuevo ícono como el clásico de Whale. Una cosa es segura: Del Toro no reinventó Frankenstein, pero lo hizo sentir nuevo.